James Whale

 

Vida

 

            James Whale nació en Dudley, Inglaterra, el 22 de julio de 1889. Su padre consideró que no era lo suficientemente fuerte para trabajar en la industria metalúrgica local, como sus hermanos, y comenzó trabajando como zapatero.

 

            Además, Whale tenía bastante talento para el dibujo y se sacaba un sobresueldo haciendo dibujos del lenguaje para sordos. Con el dinero que ganaba se pagaba las clases nocturnas en la Escuela de Artes y Oficios de Dudley.

 

            Con la I Guerra Mundial a la vuelta de la esquina, se alistó en la Armada y fue ascendido a Teniente segundo. Ya en plena guerra, fue capturado y confinado a un campo de prisioneros alemán donde comenzó su relación con el teatro, montando una pequeña compañía entre los propios presos además de continuar con su afición al dibujo.

 

            De regreso a Inglaterra, comenzó a trabajar como actor secundario y diseñador de escenografía y vestuario.

 

 

Trayectoria

 

            En 1928, le ofrecieron la oportunidad de dirigir dos pases de la entonces desconocida obra de R.C. Sheriff, Lo que queda del día, protagonizada por Laurence Olivier. La obra tuvo bastante éxito y fue trasladada al West End, con Colin Clive en el papel protagonista, donde estuvo en cartel durante 600 funciones. Posteriormente, Whale fue invitado para dirigir la obra en Broadway.

 

            La llegada del cine sonoro le benefició y trabajó dirigiendo escenas de diálogos que los directores que provenían del cine mudo no sabían manejar. Esto le hizo ganar la dirección de una versión cinematográfica de su famosa obra, Lo que queda del día, y le valió que la Universal le abriera las puertas para rodar Waterloo Bridge en 1931.

 

            Tras ella, Carl Laemmle, pionero de la industria cinematográfica y fundador de Universal, ofreció a Whale dirigir la versión de Frankenstein. Whale se convirtió en el primer director en mover la cámara durante la filmación.

 

            Debido al éxito cosechado, le ofrecieron la dirección de títulos como El caserón de las sombras, El hombre invisible y La novia de Frankenstein. Estas películas iniciaron las fulgurantes carreras de estrellas de la época, como Gloria Stuart, Colin Clive, Elsa Manchester, Boris Karloff y Claude Rains, muchos de los cuales Whale conocía de Inglaterra, y había seleccionado personalmente para sus películas.

 

            Whale dejó la Universal y continuó su carrera con The great Garrick para la Warner Bros. Después rodó una comedia con el actor David Garrick pero fue un  fracaso. Años después, dirigió su último título exitoso, El hombre de la máscara de hierro, pues el resto de su films se han diluido en la oscuridad.

 

 

Solitario final

 

            En sus últimos días, Whale experimentó una importante pérdida de sus capacidades cerebrales debido a una apoplejía, causada por la inhalación de humo en un incendio en su mansión. Se sentía sólo y cayó en una depresión obsesionado con la guerra que le había tocado vivir.

 

            Se suicidó ahogándose en la piscina de su mansión el 29 de mayo de 1957, a la edad de 67 años. Su nota de suicio se mantuvo oculta durante años, lo que ocasionó que la causa de su muerte no fuera conocida hasta muchos años después. Su nota de suicidio decía: El futuro está lleno únicamente de dolor y viejos recuerdos… Necesito estar en paz y este es el único modo de lograrlo. Mi vida ha sido maravillosa.

 

            James Whale fue abiertamente gay durante su época en Hollywood. Vivió con el productor David Lewis, quien poco antes de su propia muerte hizo pública la nota de suicidio del director.

 

            Whale es el protagonista de la novela de Christopher Bram, El padre de Frankenstein, en la que se basó la película Dioses y monstruos dirigida por Bill Condon y protagonizada por Ian McKellen y Brendan Fraser. El film nos muestra el estado de salud mental en sus últimos días, su amor a la pintura y su situación emocional.

 

            En 2002, se colocó una estatua en su memoria en la entrada de un cine de su ciudad natal. La figura es un enorme rollo de celuloide, con la cara de Frankenstein en los fotogramas, y con los nombres de las películas más celebres del director grabadas en su base.

 

 

Bibliografía: Wikipedia, la enciclopedia libre

 

Sam Peckinpah

 

Vida

David Samuel Peckinpah nació el 21 de febrero de 1925 en Fresno (California). Su vida de estudiante estuvo marcada de pequeños conflictos debido a su carácter. En 1942 ingresó en la Academia Militar de San Rafael (al norte de San Francisco). Aunque no le atrajo mucho el ambiente militar sí hizo que se centrase en sus estudios.

En 1943, Sam se alistó en los Marines, para cumplir con el servicio posterior a su graduación en San Rafael. Fue destinado a Flagstaff (Arizona) y a Lafayette (Lousiana) donde aprovechó la política de guerra según la cual los hombres de servicio podían inscribirse en cursos universitarios siempre y cuando las clases no interfirieran con sus obligaciones militares. Pudo así tomar varios cursos con la intención de sacarse un título de matemáticas o ingeniería.

En 1945, recibió órdenes de ir a China, a la guerra del Pacífico. Sin embargo, no entró en combate durante los dieciocho meses de servicio. A finales de 1946 regresó a su hogar y se matriculó en la Fresno State College.

En 1947, conoció a Marie Sellard, una aspirante a actriz y estudiante de teatro, con la que se casó. Cuando ella le enseñó el departamento de teatro, Peckinpah quedó tan fascinado por lo que vio que por primera vez en su vida tuvo la certeza de lo que quería ser: director. Entre sus más celebrados éxitos en la Fresno State se cuenta una versión de una hora de El zoo de cristal, de Tenesse Williams, que adaptó y dirigió como proyecto del último año.

Después de graduarse en 1948, Peckinpah se matriculó en un curso de graduado en artes dramáticas en la University of Southern California. Al año siguiente había completado ya la mayor parte del master, pero tras el nacimiento de su primera hija, Sam dejó la universidad sin haber escrito su tesis y se puso a buscar trabajo.

Tras terminar sus estudios pasó una temporada trabajando de tramoyista hasta que en 1951 comenzó a trabajar en la CBS. Su primera incursión en el cine sería de la mano de Don Siegel en 1954, trabajando de asistente y actor secundario en La invasión de los ladrones de cuerpos (1956). Este trabajo le valió el reconocimiento de la cadena CBS, en la cual comenzó a escribir guiones de series como Gunsmoke, Broken Arrow, Tales of Wells Fargo y Zane Grey Theatre. Su primer trabajo como director sería en 1958 con el episodio de Broken Arrow titulado “The Knife Fighter”. Durante sus años en televisión Peckinpah reunió un grupo de actores –Strother Martin, L.Q. Jones, R.G. Armstrong o Warren Oates- que le acompañarían en sus posteriores películas.

Filmografía

En 1961 Peckinpah dirigió su primera película, Compañeros mortales (Deadly Companions), con Maureen O´Hara como protagonista. La cinta obtuvo una escasa aceptación por parte del público y de la crítica. Ante esto, el director reaccionó asegurando que había tenido muy poca libertad durante el rodaje a causa de las presiones de las productoras.

Un año después dirigió su siguiente película, Duelo en la Alta Sierra (Ride the High Country, 1962), por la que obtuvo un premio en el Festival Internacional de Cine de Bélgica. Además, la crítica francesa la calificó muy positivamente y fue juzgada como la mejor película extranjera en el Festival Mexicano de Cine. Con esta película inauguró uno de sus temas fetiche: el western crepuscular.

Su tercera película fue Mayor Dundee (Major Dundee, 1965), la cual marcó el inicio de sus explosivas lizas con las productoras y distribuidoras. Protagonizada por Charlton Heston y Richard Harris y ambientada en el final de la Guerra Civil americana. El director pretendía dar suficiente densidad a la película y dotar a los personajes de cierta complejidad. Sin embargo, Columbia Pictures la consideró demasiado larga y complicada por lo que llevó a cabo numerosos cortes. Peckinpah se enfureció declarando públicamente que su película, tras esos recortes, era incomprensible. A causa de su reacción fue retirado del rodaje de su siguiente película El Rey del Juego (The Cincinnati Kid, Norman Jewison, 1965).

En 1966, la televisión ABC le ofreció la oportunidad de dirigir Noon Wine, adaptación de la novela de Ann Porter. Fue un éxito de público y crítica.

Pero la película que inauguró la fama sanguinaria de su cine fue Grupo Salvaje (The Wild Bunch), dirigida en 1969 y continuando con el género del western crepuscular. También el estilo de dirección estableció lo que serían sus señas de dirección, usando la ralentización o cámara lenta en numerosas secuencias y una técnica de montaje bastante vanguardista. Fue considerada por ciertos críticos como “la película más violenta que se haya filmado jamás”. Sin embargo, con el paso de los años la crítica la ha reconocido como una pieza fundamental en la historia del género.

Durante el rodaje de su siguiente película, La balada de Cable Hogue (The ballad of Cable Hogue, 1970), el director fue forzado por la Warner Bros a redirigir la película por miedo a que recibiese las mismas críticas por su violencia que la anterior. Así que se le dio un toque cómico y no se invirtió apenas dinero en publicitarla, lo cual hizo que pasara sin demasiada relevancia para el público.

Cuando la reputación del director estaba marcada por el Bloody Sam que le acuñaron los críticos americanos dirigió la que es, probablemente, su más famosa película: Perros de paja (Straw Dogs, 1971). En poco tiempo la película se convirtió en un importante tema para diversas publicaciones como Cinema, Esquire, Life o Playboy, que incluyeron varias entrevistas con el director. Sin embargo, gran parte de la polémica que levantó estuvo debida a la presunta tendencia misógina que atribuyeron diversos grupos feministas a la película. Este sería, junto al de la violencia en su cine, otro de los debates que estuvo presente durante toda su carrera. Pero es importante aclarar que la tendencia de Peckinpah era hacia la imagen o el concepto de la derrota causada por la negación del sueño americano (casi todas sus películas son ejemplo de esto), tendencia muy patente en su época en diferentes géneros.

En 1971 realizó en Inglaterra Junior Bonner (El rey del rodeo), protagonizada por Steve McQueen pero que pasó mucho más desapercibida por la taquilla que su predecesora.

Un año después volvió a trabajar con Steve McQueen, en uno de sus papeles más famosos, con La Huida (The Getaway, 1972).

A partir de aquí comienza el foco más concentrado de su cine con proyectos de escaso presupuesto: Pat Garrett y Billy el Niño (Pat Garrett and Billy the Kid, 1973), con James Coburn, Kris Kristofferson y Bob Dylan; Quiero la cabeza de Alfredo García (Bring me the head of Alfredo García!, 1974), su película más surrealista según la crítica; Los aristócratas del crimen (The Killer Elite, 1975), con James Caan y Robert Duvall; y, La Cruz de Hierro (Cross of Iron, 1977), tambien protagonizada por James Coburn. En esta última, Orson Welles se puso en contacto con Peckinpah para decirle que era la mejor película contra la guerra que había visto. Sin embargo, fue un fracaso de crítica y público en América.

A finales de la década de 1970 Peckinpah pertenecía al olvido y ninguna publicación hablaba de él. Además de sus devaneos sentimentales, su salud era ya muy precaria por su alcoholismo y su adicción a la cocaína.

En 1978 volvió a dirigir a Kris Kristofferson en Convoy (Convoy). Sin embargo, fue otro fracaso en prácticamente todos los niveles.

Su última película fue Clave: Omega (The Ostermand Weekend, 1983), un thriller de espías que no tuvo la suficiente fuerza ni siquiera para motivar las críticas serias.

Una vida al límite

Peckinpah acabó sus días en la caravana marcada a balazos que tenía en Paradise Cove, una pequeña población costera en Malibú, California. Canoso y marchitado, su corazón dejó de latir el 28 de diciembre de 1984 a sus cincuenta y nueve años.

Tras pasar toda su vida investigando sobre el sentido de la vida y la muerte, al final Sam se había rebelado “en contra de que la luz se extinguiera” con marcapasos y oxígeno puro. Pero nada podía detener el avance de la noche. Quizás debido a la manera violenta en que había vivido su vida, algunos pensaron que, al morir, Sam estaba cumpliendo una especie de último deseo personal. Pero eso no era cierto. Lo único que Sam deseaba era vivir. Sencillamente, aprovechó la vida hasta la muerte.

Había vivido al límite y había muerto antes de tiempo. Pero tambien es cierto que había acumulado más cosas en las seis décadas que le habían sido concedidas que las que hubiera hecho la mayoría de la gente en el doble de tiempo. En palabras de Pike Bishop, el maduro pistolero interpretado por William Holden en Grupo Salvaje, Peckinpah no lo habría querido de otra manera.

En total, el número de largometrajes realizados por Peckinpah es sólo de catorce. Pero, como dijo el actor Robert Culp en el homenaje póstumo a Peckinpah en la Directors Guiad en 1985: “lo sorprendente no es que Peckinpah hiciera sólo catorce películas, sino que, teniendo en cuenta la manera que tenía de rodarlas, lo raro es que terminase cualquiera de ellas”.

 

Bibliografía:

·        Wikipedia, la enciclopedia libre

·        Sam Peckinpah, vida salvaje, Garner Simmons, 1983